"L'art chorégraphique suppose de remettre en jeu beaucoup de nos habitudes de spectateur, tant on se tromperait gravement à regarder de la danse soit comme du théâtre soit comme un tableau ou une œuvre plastique. La danse n'a rien d'autre à promettre que d'être la danse.

Le spectateur ne peut l'approcher qu'à la tenir pour ce qu'elle est, soit de la danse; s'il y cherche les émotions du texte ou du chant, il est déçu et c'est dommage…

D'où l'importance de savoir de quoi il s'agit. C'est l'ambition de ce premier volume de la série 'Regardez la danse'!"--P.[4] de la couv.

Comprend des références bibliographiques.[-]

"Une œuvre dansée ou un mouvement se voient souvent qualifiés de 'très écrits'. Pourtant, la question est désormais bien balisée: pour clarifier d'emblée, la danse n'étant pas une langue, elle ne peut être écrite, en revanche, elle se note, ce qui n'est pas du tout pareil.

Noter suppose un système graphique qui traduit l'apparence et non la nature de la danse, et il en existe plusieurs et depuis longtemps. Mais l'usage permanent des termes 'écriture' ou 'vocabulaire' pour un art qui n'en a pas besoin témoigne d'une obsession qui n'est pas sans conséquence, en particulier en matière de mémoire et de culture."--P.[4] de la couv.

Comprend des références bibliographiques.[-]

"Quelle que soit la technique, le danseur s'impose. Il est superbe, subjuguant. On en a le souffle coupé. Il fait oublier le réel à force d'y être incontournable. Pourtant, définir sa nature représente un objectif très conséquent.

Car la figure du danseur toujours s'échappe. La question n'est pas de technique ou de savoir, mais de nature: si tout le monde danse, tout le monde n'est pas danseur et si le problème s'épaissit, le danseur non, c'est la norme!
Car une instance est censée conformer les corps, les assujettir à la norme du danseur: le cours de danse. Mais cette 'fabrique' du danseur elle-même s'avère complexe."--P.[4] de la couv.

Comprend des références bibliographiques.[-]

"Chacun de nous est mû par la pulsion de danse: il ne devrait pas y avoir de chorégraphe. N'importe quel créateur pourrait laisser libre cours à sa sensibilité à la danse et l'insérer au sein d'œuvres qui n'auraient pas besoin d'autres désignations que théâtre, comédie musicale, opéra ou autre.

En somme, le chorégraphe ne devrait pas exister quand la réalité du monde du spectacle témoigne que si! Donc, il doit y avoir quelque chose de spécifique dans ce créateur et qui n'appartient qu'à lui. La logique est imparable, la réalité plus fugace! Et celle de cette œuvre particulière qu'il compose encore plus…"--P.[4] de la couv.

Comprend des références bibliographiques.[-]

"La fréquentation des spectacles de danse interprétés par des danseurs professionnels est une activité de loisir occasionnelle, rarement motivé par l'amour de la danse, indépendante de la pratique de la danse en amateur, et fort inégalement répandue dans la population. Elle n'intéresse qu'un petit nombre de Français.

Conditionnée bien sûr par l'existence et la proximité de l'offre de spectacles, elle se révèle également soumise aux images que chacun se fait de la sortie culturelle, de la danse en général et de chaque genre de danse en particulier.
Tels sont quelques uns des enseignements principaux de deux études conduites par le Département des études et de la prospective, à la demande de la Délégation à la danse du Ministère de la culture." -- P.[4] de la couv.

Comprend une bibliographie.[-]

"Il n'existe ni regard idéal ni méthode pour analyser les oeuvres en danse. Telle est la conviction portée par ce livre qui place l'inventivité du spectateur au coeur de l'analyse. Chacun est invité à sortir du jugement, du goût personnel ou du sentiment d'ineffable pour explorer différentes modalités de regard, entre le temps de la contemplation d'une oeuvre et la formulation d'une pensée construite à son sujet. Entrelaçant leurs points de vue, Isabelle Ginot et Philippe Guisgand proposent une réflexion sur les enjeux de l'analyse d'oeuvres et de l'éducation du regard. Leur démarche s'appuie sur des ateliers, des jeux perceptifs et linguistiques, des expérimentations ludiques, dans lesquels on pourra puiser. Il s'agit de penser la nature singulière autant que collecive de notre relation aux oeuvres, tout comme les contextes où celle-ci peut s'exercer. Car écrire sur la danse, débattre des oeuvres et dialoguer avec elles sont des moyens d'innover au sein de nombreuses pratiques (enseignement, ateliers de spectateurs, médiations, critique d'art, performances, accompagnements à la création, etc.) Ainsi l'analyse d'oeuvres s'ancre dans un monde qui n'est pas seulement celui de la recherche mais celui de tous."-- P. [4] de la couv.

Comprend une bibliographie et des références bibliographiques.
Comprend un index.[-]

"Celui qui voit ne sait pas voir" : telle est la présupposition qui traverse notre histoire, de la caverne platonicienne à la dénonciation de la société du spectacle. Elle est commune au philosophe qui veut que chacun se tienne à sa place et aux révolutionnaires qui veulent arracher les dominés aux illusions qui les y maintiennent. Pour guérir l' aveuglement de celui qui voit, deux grandes stratégies tiennent encore le haut du pavé. L'une veut montrer aux aveugles ce qu ils ne voient pas : cela va de la pédagogie explicatrice des cartels de musées aux installations spectaculaires destinés à faire découvrir aux étourdis qu ils sont envahis par les images du pouvoir médiatique et de la société de consommation. L'autre veut couper à sa racine le mal de la vision en transformant le spectacle en performance et le spectateur en homme agissant. Les textes réunis dans ce recueil opposent à ces deux stratégies une hypothèse aussi simple que dérangeante : que le fait de voir ne comporte aucune infirmité ; que la transformation en spectateurs de ceux qui étaient voués aux contraintes et aux hiérarchies de l'action a pu contribuer au bouleversement des positions sociales ; et que la grande dénonciation de l homme aliéné par l excès des images a d'abord été la réponse de l'ordre dominant à ce désordre. L'émancipation du spectateur, c est alors l affirmation de sa capacité de voir ce qu il voit et de savoir quoi en penser et quoi en faire. Les interventions réunies dans ce recueil examinent, à la lumière de cette hypothèse, quelques formes et problématiques significatives de l'art contemporain et s efforcent de répondre à quelques questions : qu'entendre exactement par art politique ou politique de l'art ? Où en sommes-nous avec la tradition de l'art critique ou avec le désir de mettre l'art dans la vie ? Comment la critique militante de la consommation des marchandises et des images est-elle devenue l'affirmation mélancolique de leur toute-puissance ou la dénonciation réactionnaire de l''homme démocratique" ?''--P.4 de la couv.

Comprend des notes bibliographiques à la fin du volume.[-]